Regarder en ligne Temps mort autour de Caro & Jeunet regarder en ligne avec sous-titres anglais

Le réalisateur britannique Christopher Nolan, auteur notamment "d'Interstellar", va mettre en scène "Dunkirk", sur la bataille de Dunkerque pendant la Seconde guerre mondiale, également connue sous son nom de code "Opération Dynamo". Le tournage devrait avoir lieu en partie en France sur les lieux des événements.

Christopher Nolan, l'un des grands noms d'Hollywood, auteur de deux films sur le super-héro Batman ("The Dark Knight") et du hit de science-fiction "Interstellar", "va réaliser "Dunkirk" d'après un scénario qu'il a lui-même écrit", a indiqué le 28 décembre le studio Warner dans un communiqué.

A la fois thriller et fresque historique

Il précise que les acteurs seront principalement "des inconnus qui doivent encore être sélectionnés" mais que des discussions sont en cours avec Mark Rylance ("Le pont des espions"), Kenneth Branagh ("Cendrillon", "Beaucoup de bruit pour rien", etc) et Tom Hardy ("The Revenant", "Mad Max Fury Road").

"Thriller et fresque historique à la fois, "Dunkirk" se déroule pendant la légendaire évacuation" de la ville du Nord par les forces alliées en mai-juin 1940, pendant qu'elles étaient encerclées par l'armée allemande, décrit le studio, qui distribuera le long-métrage dans le monde entier.

Repérages discrets

Le tournage "démarrera en mai dans beaucoup des lieux réels où ont eu lieu les événements" qui forment l'intrigue, poursuit Warner.

Plus tôt lundi, la société régionale de promotion des projets audiovisuels Pictanovo avait indiqué que des repérages en vue du film avaient été effectués "dans le plus grand secret" dans la région de Dunkerque. Selon le site d'informations sur le cinéma IMDBPro.com, le film doit sortir le 21 juillet 2017 et sera tourné en français et en anglais aux Etats-Unis, en Grande-Bretagne et en France.Location de caméra plutot cool.

Vous êtes tentés par l’achat d’un drone. Ces engins filment des images de plus en plus belles et leur tarif se démocratise peu à peu… Mais ces outils ne sont pas des jouets. ils restent difficiles à piloter. nécessitent de l’entraînement et ne peuvent pas voler partout. Voici quelques conseils si vous décidez de franchir le pas.

1) Se former

De nombreux drones se pilotent avec deux outils. une grosse télécommande sur lequel on fixe un smartphone. Mais soyez prévenus. rien n’est simple. Comptez au minimum quelques dizaines de minutes avant de réussir à faire voler votre drone. Le simple fait de démarrer les moteurs est complexe lorsqu’on n’a pas décortiqué le mode d’emploi. Le catalogue des bêtises possibles est tellement vaste que cette lecture paraît indispensable. Il suffit par exemple de désactiver le pilotage satellite par erreur et l’atterrissage devient un vrai challenge.

Avec un engin aussi coûteux, une bonne séance de formation est recommandée. Vous pouvez ainsi lire le livre de Frédéric Botton, Les drones de loisirs (éditions Eyrolles) ou notre article sur le pilotage du DJI Phantom 3. Surtout, regardez quelques vidéos de prise en main de votre drone sur Internet.
Les drones sont souvent imprévisibles. Soyez prudents. progressez par petits pas, ne décollez pas lorsqu’un attroupement se forme autour de vous. Si vous avez des enfants, achetez des carènes pour protéger les hélices (20 euros). Les pales des drones sont fines et tournent à 10 000 tours /minute. Elles peuvent entailler profondément un doigt ou un avant-bras. Plus le drone est lourd, plus ses moteurs sont puissants, plus il est dangereux.
Lorsqu’on investit dans un tel matériel, on n’a nulle envie de le détruire le premier week-end. Nous vous conseillons de vous préparer au pilotage avec un drone d’entraînement, de taille minuscule, qu’on peut faire voler dans un salon. Il vous permettra d’acquérir les bons réflexes. On trouve des microdrones comme le Hubsan X4 aux alentours de 50 euros. Ils résistent beaucoup mieux aux chocs que leurs grands frères et leurs hélices sont quasi inoffensives.
Ces drones XS sont au final beaucoup plus difficiles à maîtriser. Une fois domptés, vous serez prêts à prendre en main un drone XL. Avant de sortir avec votre drone, n’oubliez pas de vous renseigner sur les terrains où le vol est autorisé. Vous seriez étonnés du nombre d’aérodromes, d’héliports et de zones interdites en France .

2) Choisir son lieu de vol

La législation française est particulièrement stricte. les lieux les plus agréables à filmer sont presque tous interdits. Le vol est interdit au-delà de 150 mètres d’altitude, car le drone entre dans l’espace aérien. Vous risqueriez essentiellement de croiser des hélicoptères. Or pour des raisons évidentes de sécurité, drones et hélicoptères doivent impérativement rester à l’écart les uns des autres.

Toutes les grandes villes sont totalement interdites de vol, que ce soit dans les espaces privés ou publics. Les tribunaux ont condamné des dizaines de pilotes imprudents à des amendes allant de 400 euros à plusieurs milliers d’euros. Dans les petites villes. les banlieues et les villages, il est interdit de voler au-dessus des espaces publics, parcs inclus.
En revanche, on a le droit de voler au-dessus des espaces privés, à condition d’avoir l’autorisation du propriétaire. Dans son jardin ou dans celui d’un ami, par exemple. Mais si le terrain est petit, mieux vaut rester à basse altitude et voler prudemment. Si les conditions météo sont mauvaises, le risque est grand de dériver hors zone.
Le vol au-dessus d’une personne ou près d’un rassemblement est prohibé. Il faut garder une marge de sécurité pour éviter tout risque de collision. Le pilote est responsable des dommages matériels ou physiques provoqués par son drone.

Partout en France, des centaines de zones sont interdites. ce sont les grandes villes et leurs banlieues. Ce sont aussi les couloirs d’atterrissage et de décollage des avions, des hélicoptères et des ULM. Ces zones sont disséminées en ville comme en campagne – vous pouvez consulter leur carte (cochez les cases annexe II et annexe I pour les visualiser ). Les zones totalement interdites sont en rouge sombre, les zones où l’altitude est limitée sont renseignées dans d’autres couleurs. Cette carte n’est pas facile à déchiffrer. mais il faut vous y plonger. Si un drone venait à heurter le réacteur d’un avion au décollage, le pire pourrait arriver. A noter. le survol des zones militaires, des centrales nucléaires et des sites industriels sensibles est interdit aussi.

On peut obtenir des dérogations aux conditions mentionnées plus haut en préfecture. Mais ces dérogations ne sont accordées qu’aux titulaires d’un brevet de pilote de drone, et uniquement pour des activités professionnelles. Tout vol à motivation commerciale ou publicitaire requiert un brevet de pilote de drone.

3) Respecter les règles de sécurité et de respect de la vie privée

Le pilote ne doit jamais quitter son drone des yeux. Le drone ne doit jamais sortir de son champ de vision. Par extension, le vol de nuit est interdit.
Tout le monde a le droit de filmer avec son drone à condition de respecter le droit à l’image. Il est interdit de publier sur Internet des vidéos de personnes reconnaissables ou de bâtiments protégés par la propriété intellectuelle. Si un passant vous demande de cesser de le filmer, vous devez respecter son choix.

Vendredi, 18 décembre 2015 12:00 MISE à JOUR Vendredi, 18 décembre 2015 12:00

Le cinéaste québécois Daniel Roby a vécu plusieurs «premières fois» en tournant Versailles. cette superproduction de 45 millions $ de Canal+. en France. première télésérie, première distribution internationale et première coréalisation. En entrevue au Journal quelques jours avant la présentation du premier épisode en français à Super Écran, en primeur nord-américaine, Daniel Roby raconte comment s’est déroulée son aventure royale.
Octobre 2014. Daniel Roby reçoit un appel d’Incendo, une boîte québécoise qui coproduit Versailles avec Canal+, Capa Drama et Zodiak Fiction, trois boîtes françaises. But du coup de fil: les producteurs du drame historique sur les premières années du trône de Louis XIV cherchent un réalisateur pour tourner les épisodes 8, 9 et 10, soit ceux qui boucleront la première saison.
Quelques jours après avoir envoyé aux producteurs français ses deux plus récents films, Louis Cyr (2013) et Funkytown (2011), Daniel Roby reçoit une réponse: il est attendu en France au mois de novembre pour préparer le tournage des épisodes, qui débutera en janvier. «Ça s’est fait très, très vite», se souvient le cinéaste, metteur en scène et directeur de photographie.
Tournage en France
Une fois en France, pour Daniel Roby c’est le moment de lire les scénarios, rencontrer les techniciens, visiter le plateau, trouver de nouveaux lieux de tournage et préparer les costumes. Les premiers rôles ayant déjà été attribués, il reste néanmoins quelques décisions importantes à prendre au sujet des personnages secondaires qui feront leur entrée en fin de saison.

Daniel Roby en compagnie du comédien George Blagden (Louis XIV) sur le plateau de tournage de Versailles.

«Quand tu réalises un projet qui t’appartient, tu as toutes les locations à trouver, tous les personnages à caster, tous les costumes à choisir. Tout ça prend du temps. Réaliser trois épisodes de Versailles. ça m’a permis de passer plus de temps à trouver des idées de mise en scène», dit Daniel Roby.
Respecter l’histoire
Fin janvier, Daniel Roby donne ses premiers tours de manivelle. Il bénéficie de 12 jours de tournage par épisode. À Versailles, il tourne seulement les scènes extérieures devant le château puisque les intérieurs du monument ont tellement changé au fil du temps qu’ils ne ressemblent plus du tout au décor aménagé par Louis XIV au 17e siècle. Ainsi, les appartements de quelques châteaux en périphérie de Paris servent de parfaits substituts pour certaines séquences filmées entre quatre murs. Le reste est tourné en studio .
Pour s’assurer de respecter chaque détail historique, Daniel Roby retient les services d’un consultant. La lourdeur des protocoles de l’époque met parfois un frein aux envies du réalisateur. «Je devais faire approuver presque chaque nouvelle idée de mise en scène. Par exemple, on voulait tourner une scène pendant le dîner du roi. Mais on s’est rendu compte qu’il devait être accompagné de 15 personnes. On ne pouvait pas seulement improviser une mise en place et l’asseoir au coin du comptoir. Il y avait tout un décorum à respecter. On a donc laissé tomber.»
«On pouvait prendre des libertés, mais il fallait faire attention, poursuit Roby. Les Français connaissent leur histoire. Canal+ ne voulait pas ouvrir la porte aux critiques. Déjà qu’on tournait avec des acteurs anglophones. »
Sentiment d’urgence
Daniel Roby ne retournera pas derrière la caméra de Versailles pour réaliser la 2e saison du drame. Au printemps, il amorcera plutôt le tournage de Gut Instinct. son premier film en anglais, qui mettra en vedette Josh Hartnett (Virgin Suicides ) dans le rôle du journaliste d’enquête Victor Malarek.
«Gut Instinct devait être mon 2e film, après La peau blanche en 2004, confie le cinéaste. J’ai souvent passé trois ans, et même plus, avant de pouvoir tourner mes longs métrages. Pour Versailles. c’était un autre feeling. Un sentiment d’urgence d’embarquer dans un bateau déjà en route, avec un équipage rodé. C’était agréable.»
Super Écran présente Versailles du 21 décembre au 25 décembre dès 21 h.

Les épisodes 7 et 8 de la saga sont tournés dans le studio du Buckinghamshire. La fiscalité britannique séduit Hollywood.

Au Royaume-Uni, Star Wars est une affaire d’Etat. En 2013, c’est le ministre des Finances lui-même, George Osborne, qui fait l’annonce. le septième épisode sera tourné dans les studios Pinewood, situés à une trentaine de kilomètres à l’Ouest de Londres. Plusieurs sabres lasers, offerts par Lucasfilm, sont conservés au ministère. L’arme mythique de Star Wars a été conçue dans les années 1970 par un décorateur britannique. George Osborne, un fan déclaré de la saga, les aurait bien rapportés chez lui mais la loi lui interdit d’accepter des cadeaux d’une valeur supérieure à 140 livres. Le huitième épisode sera lui aussi tourné chez Pinewood à partir de l’an prochain.

Le tournage du Réveil de la Force a été entouré du plus grand secret, comme tout ce qui concerne Star Wars. Tout juste sait-on que quinze scènes différentes des studios ont été utilisées, dont un réservoir d’eau, et que Harrison Ford s’y est cassé la jambe en 2014 lorsque la porte de son vaisseau, le Faucon Millenium, s’est brutalement refermée sur lui. Le tournage s’est déroulé entre mai et novembre l’an dernier. Il a permis à Pinewood de publier un bénéfice presque triplé au cours du premier semestre de son exercice, pour un chiffre d’affaires de 38 millions de livres (53 millions d’euros). Le groupe valorisé 245 millions de livres à la Bourse de Londres a récemment profité d’une autre superproduction, Spectre. Vingt-deux des 24 James Bond ont été tournés chez Pinewood.

Expansion internationale

Au total, plus de 2.000 films et 800 productions pour la télévision ont utilisé les studios du Buckinghamshire depuis leur création en 1936. Après un passage à vide à la fin du siècle dernier, Pinewood a renoué avec la croissance et s’est lancé dans une ambitieuse expansion internationale. Le groupe britannique possède des studios aux Etats-Unis, au Canada, en Malaisie, en République dominicaine et en Chine. Incapable de répondre à toutes les demandes, les studios ont annoncé des investissements de 200 millions de livres permettant de doubler les capacités de tournage d’ici quinze ans. La première phase des travaux, bouclée en juin 2016, permettra de tourner deux blockbusters de plus par an.

La productrice de Star Wars, Kathleen Kennedy, a vanté le talent des artistes britanniques pour expliquer le choix de Pinewood. Mais ce n’est pas la seule raison. Les incitations fiscales, récemment renforcées par George Osborne, sont alléchantes. Les producteurs peuvent récupérer jusqu’à 25 % de leurs coûts de tournage sous forme de crédit d’impôt à condition qu’au moins le quart de la production soit réalisée en Grande-Bretagne.

Vincent Collen

Correspondant à Londres

Contribuez au réchauffement climatique et détruisant le Tunnel des Artisans. Armez-vous d'une pioche et attaquez-vous à l'édifice ainsi qu'aux artisans qui y travaillent.

GREENDER'S. Un jeu événement réalisé pour la COP21

Sortie du jeu le 09/11/15
Nous incarnons Mr Greender. Cet individu veut à tout prix détruire le patrimoine culturel existant dans le monde. Sa principale motivation est d’augmenter le réchauffement climatique mais aussi à la fois la souffrance des hommes. Pour cela, Mr Greender se rend aujourd’hui dans le douzième arrondissement de Paris, non loin de Bercy dans le Tunnel des Artisans. Son objectif est ici de détruire le plus possible cet édifice écologique. En effet, le Tunnel des Artisans est le seul et dernier réfrigérateur naturel de Paris, utilisant la pierre de taille depuis 1840 afin de réguler la température aux alentours des 14°C tout au long de l’année. C’est donc armé de sa pioche que Mr Greender’s va s’attaquer à cet édifice ainsi qu’aux artisans qui y travaillent.
Télécharger le jeu:

GREENDER'S. A game built for the COP21

Out. 11.09.15
You are going to embody Mr Greender. This individual is bent on destroying the existing cultural heritage in the world. His main motivation is to increase global warming but also both the suffering of men. For this reason, Mr Greender leaves today in the twelfth arrondissement of Paris, near Bercy in the Tunnel Des Artisans. His objective is to destroy as much as possible this eco-friendly building. Indeed, the Tunnel Des Artisans is the last and only natural refrigerator in Paris, using stone since 1840 to regulate the temperature around 14 °C throughout the year. Armed with his pickaxe Mr Greender will tackle this building and the craftsmen who are working there.
Download the game for.

À Hollywood, les studios raffolent des films dont le concept tient en quelques mots. On imagine la réunion au cours de laquelle Ridley Scott a présenté le projet à la 20th Century Fox. “C’est la même chose que Seul au monde avec Tom Hanks, mais sur Mars !” Car l’histoire raconte la lutte pour survivre de Mark Watney (l’acteur Matt Damon), un astronaute qui se retrouve seul sur Mars quand son équipage quitte précipitamment la planète à cause d’une énorme tempête.

Un synopsis très simple, en effet. Et on comprend que le studio ait tout de suite accroché – tout comme le public d’ailleurs, puisque Seul sur Mars est d’ores et déjà le plus gros succès commercial de la carrière du cinéaste.

En s’attaquant à cette adaptation du best-seller d’Andy Weir, Ridley Scott savait qu’il devrait recréer trois environnements particuliers. la Terre dans un futur proche, le vaisseau spatial, et la planète Mars. Comme pour ses films précédents, il a fait appel à Richard Stammers de MPC pour superviser les effets visuels. Les deux hommes collaborent depuis Robin des Bois en 2010. « Il y a environ 1100 plans à effets visuels dans Seul sur Mars. explique Stammers. Je les ai répartis entre trois prestataires principaux. MPC (420 plans) pour les environnement martiens, Framestore (385 plans) pour les plans dans l’espace, et The Senate (185 plans) pour la Terre du futur. Les délais étaient très serrés. à peine 24 semaines de post-production, alors que nous en avions eu 34 pour Prometheus . »

De la SF réaliste
Seul sur Mars. c’est de la « science fact », c’est-à-dire que tout est basé sur la réalité. le vaisseau, l’habitat sur Mars, les véhicules, les scaphandres, etc. Seule la méga-tempête du début est irréaliste à cause de la faible atmosphère martienne, égale à un centième de l’atmosphère terrestre.

« Sur le plan visuel, c’était bien plus simple à gérer que Prometheus car nous avions des tonnes de références dans tous les domaines. Par exemple, pour les plans de paysages martiens, nous savions exactement à quoi ils devaient ressembler car nous avions les images réelles comme modèles. De même, la conception du vaisseau Hermès, qui fait la navette entre la Terre et Mars, repose sur la technologie modulaire de la Station Spatiale Internationale. On y retrouve aussi les mêmes panneaux solaires. Toutes ces références réelles nous ont fait gagner un temps fou. Sur Prometheus. il avait fallu tout inventer. »

Pour les scènes dans l’espace. le choix de Framestore s’est imposé comme une évidence. Le studio londonien a remporté l’Oscar des meilleurs effets visuels pour Gravity . un film dont l’approche était identique à celle de Seul sur Mars. des images hyperréalistes avec une lumière crue unidirectionnelle, par opposition aux images fantaisistes des Star Wars et autres Star Trek où la lumière vient de plusieurs directions à la fois « pour faire joli ». « Les plans serrés sur le personnage dans l’espace ont été filmés sur fond vert ou noir avec un décor représentant une petite partie de l’extérieur du vaisseau, précise Stammers. L’acteur était suspendu à un système de câbles pilotés par ordinateur qui permettaient de simuler l’état d’apesanteur. Il portait en outre un harnais en forme d’anneau autour de la taille grâce auquel nous pouvions le faire tourner sur lui-même. Dans les plans larges, il s’agit d’une doublure entièrement numérique évoluant dans un environnement lui aussi virtuel. Une approche qui avait très bien fonctionné sur Gravity . » Il est vrai que le scaphandre permet de faire passer bien des choses en masquant le visage du personnage et en limitant sa mobilité.

Quel look pour Mars ?
De son côté, MPC s’est concentrée sur la création des environnements martiens. L’équipe a commencé par analyser toutes les photographies existantes sur la surface de la planète rouge. Le premier constat a été qu’il était impossible d’en tirer une conclusion absolue sur la couleur du sable ou celle du ciel. chaque photographie présentait des tons différents. « À cause du matériel de prise de vues, de l’objectif, de la lumière, etc. ces photos montraient toutes une version différente de Mars. Impossible de savoir laquelle était la bonne… Notre première mission a donc consisté à faire le tri là-dedans et à déterminer quelles couleurs allaient être celles du film. Le choix s’est fait naturellement le jour où nous avons trouvé des photos qui correspondaient exactement au site de tournage que nous avions choisi. la vallée de Wadi Rum en Jordanie. À part la couleur du ciel, tout correspondait. le sable, la roche, etc. Nous avons donc décidé que ces photos particulières fourniraient la base du look de Mars dans le film, notamment sur le plan des couleurs. »

Les extérieurs martiens ont été tournés dans deux sites différents. Le premier se situait en Jordanie, dans une vallée qui servait de cadre à la base martienne. C’est là qu’ont été filmés – pendant deux semaines – tous les plans larges sur la base avec le paysage martien autour, et ceux des différents voyages du Rover. L’équipe de MPC en a profité pour enregistrer le paysage en HDR à 360° à des heures différentes de la journée. Ensuite, le décor de la base a été reconstitué à l’identique sur un plateau de tournage en studio à Budapest en Hongrie. Ce décor a permis de filmer le reste des plans martiens dans de bien meilleures conditions que ce qui pouvait être fait dans le désert jordanien.

En postproduction, MPC a prolongé le décor de studio en ajoutant le paysage jordanien à l’arrière-plan. Au cours de cette opération, le but n’était pas de faire ressembler le composite final à Mars, mais seulement aux images du vrai désert. “Il fallait que les plans de studio soient absolument identiques à ceux de Jordanie, qu’on ne voit pas la différence lorsqu’on passait de l’un à l’autre. Nous savions que si nous parvenions à faire passer nos images de studio pour des prises de vues dans le désert jordanien, alors nous pouvions les faire passer pour Mars !”

Transformer la Jordanie en Planète Rouge
Une fois le décor de studio transformé en paysage jordanien photoréaliste, l’équipe s’est attachée à retoucher tous les plans, ceux de studio et ceux de Jordanie, afin de leur donner la touche martienne indispensable. Pour commencer, il a fallu effacer de l’image tous les buissons, il y en avait des centaines à Wadi Rum. Ensuite, MPC a ajouté des rochers supplémentaires, des cratères de tailles diverses, des tourbillons de poussière animés en 3D, ainsi que des montagnes au loin. Une fois l’environnement modifié, il était re-projeté sur la géométrie du paysage original, puis intégré à l’arrière-plan des prises de vues.

Les changements sur le paysage n’étaient pas tout ; restait encore à effectuer la modification la plus importante, mais aussi la plus délicate : changer la couleur du ciel. En effet, le ciel de Mars n’est pas bleu, et c’est là la principale différence avec un paysage terrestre. Compte tenu des délais, il était impensable de devoir détourer à la main chaque élément de décor dans des centaines de plans. Il fallait une approche globale qui permette de « dé-bleuir » le ciel en un seul clic, mais aussi les ombres et la brume atmosphérique… sans toucher au reste de l’image. Un défi considérable auquel s’est attaqué le département R&D de MPC. La solution. Un algorithme de filtrage couleurs intégré dans Nuke et baptisé « Earth to Mars ». Chaque pixel bleu a été repéré et changé en une couleur différente définie par le graphiste. Le changement restait modifiable jusqu’au composite final. “Cet outil s’est avéré tellement efficace que nous l’avons étendu à la couleur verte pour une autre application. l’effacement des reflets du fond vert sur le décor de studio – un processus en général très fastidieux. Ça a fonctionné à merveille !”

Mars en 3D relief
De tels paysages méritent bien sûr un rendu en relief. Les scènes tournées en studio l’ont été directement en 3D relief, ce qui n’a pas été toujours possible pour les scènes tournées en extérieur dans le Wadi Rum de Jordanie. 20th Century Fox a donc fait appel au spécialiste Prime Focus World (PFW) pour la conversion en 3D de 15 minutes du film, effectuée à l'aide de leur workflow, composé du logiciel propriétaire View-D pour convertir 2D en 3D, et du logiciel de compositing Fusion Studio de Blackmagic Design.

Ayant déjà réalisé la conversion en 3D du film Gravity . l'équipe de PFW n'en était pas à son premier projet de science-fiction. L'équipe a dû convertir plus de 200 plans de Seul sur Mars en 3D, en veillant à bien souligner le sentiment de solitude du personnage principal. Elle a également dû les harmoniser avec le reste des séquences en relief du film, qui avaient été tournées en 3D native sur le plateau.

« Le stéréographe Gareth Daley et l'équipe ont établi le rendu 3D natif sur le plateau pendant le tournage du film, dont la plupart des séquences ont été capturées en relief, explique Richard Baker, responsable de la 3D chez Prime Focus World. Ainsi, lorsque nous avons reçu les plans que nous devions convertir, notamment les séquences de paysages tournées en hélicoptère qui n'avaient pas pu être capturées en stéréo native, nous avions une référence et nous avons pu harmoniser nos conversions avec le reste du film. »

Afin d’assurer la cohérence de l’ensemble, l'équipe de PFW a créé des effets de perspective pour créer une profondeur d’image plus vraisemblable. « Nous avons obtenu un rendu dans lequel l'arrière-plan, notamment les collines au loin, était constitué de multiples couches qui donnaient l'impression que les collines étaient situées à des dizaines de kilomètres les unes des autres, ajoute Baker. Nous voulions également donner l'impression que le personnage principal était seul sur cette planète et avons manipulé la profondeur pour donner l'illusion qu'il était entouré d'un monde gigantesque. »

Comme pour le film Gravity. les techniciens de chez PFW ont dû convertir les casques des combinaisons spatiales. des éléments dont l’extraction de la profondeur aurait été difficile à cause de la réflexion et de la réfraction. En utilisant le visage et le casque en géométrie 3D fournis par la production, l'équipe londonienne de PFW a suivi le mouvement des scans du personnage sur les séquences originales. Elle a ensuite produit une carte de profondeur qui, associée à la rotoscopie, a été convertie en 3D par View-D.

Un des défis principaux pour créer le monde en relief de Seul sur Mars a été résolu grâce à Fusion Studio. En effet, le logiciel a permis d'automatiser les outils du workflow View-D qui étaient utilisés pour retravailler les plans réalisés par PFW. « Pour créer l’esthétique du film, Ridley a considérablement augmenté la netteté des séquences après le tournage. lors du Digital Intermediate, explique Baker. Cette amélioration de la netteté a eu des conséquences sur le contour des objets lors de la conversion. En général, ces problèmes ne se remarquent pas sur les séquences originales, mais ils deviennent visibles sur les séquences retouchées. Pour y remédier, nous recevions les plans de nos techniciens en format EXR et nous y appliquions nos scripts Fusion pour réaliser un nouvel étalonnage et les rendre plus nets. Je pouvais ainsi comparer les séquences originales fournies par le client avec les séquences nettes et étalonnées du studio et identifier les contours à retravailler. »

Malgré le bon accueil critique du film et son succès planétaire, aussi bien PFW que Richard Stammers et son équipe VFX n’auront pas le temps de se reposer sur leurs lauriers. Ils sont déjà à pied d’œuvre sur le prochain film de Ridley Scott, un certain… Alien – Paradise Lost !

Alain BIELIK, Octobre 2015
(Commentaires visuels. Paul Schmitt)
Spécialiste des effets spéciaux, Alain Bielik est le fondateur et rédacteur en chef de la revue S.F.X, bimestriel de référence publié depuis 24 ans. Il collabore également à plusieurs publications américaines, notamment sur Internet.

Pan, de Joe Wright, avec Hugh Jackman, Garrett Hedlund, Levi Miller.

Aline Bonetto a imaginé les lieux où Joe Wright a plongé Peter, son héros. Studio Ciné Live a visité le plateau de tournage de Pan en sa compagnie. La directrice artistique française raconte les secrets de son métier.

Le tournage de Pan, de Joe Wright, a eu lieu dans le plus grand studio d'Europe. Et pour cause. avant d'abriter des décors de cinéma, le bâtiment servait à l'aviation britannique. C'est donc dans une ancienne usine de dirigeables, perdue au milieu de la campagne anglaise, que le cinéaste Joe Wright a planté le QG de son film qui revisite le mythe de Peter Pan.
Les décors sont impressionnants. Par leur grandeur, d'abord. Ils témoignent aussi d'une recherche du détail quasi maniaque. Bondissant d'un plateau à un autre, une jeune femme rousse s'assure que tout est prêt. Ici, elle vérifie un cordage sur un bateau de trente mètres de long. Là, elle serpente dans une véritable forêt qui embaume la sève. Aline Bonetto est la patronne et la tête pensante des lieux. Directrice artistique de Pan, elle a débuté comme décoratrice pour Jean-Pierre Jeunet et Marc Caro. L'ambiance années 1940 et les tons sépia de Delicatessen , le bric-à-brac cauchemardesque de La cité des enfants perdus, c'est elle.
Deux César plus tard, elle est toujours fidèle à Jeunet mais relève avec Pan un défi inédit: inventer un monde imaginaire. "C'est très compliqué de créer un univers qui n'existe pas, car c'est là qu'il faut être le plus crédible", avoue la jeune femme, en se hâtant vers la pièce qui lui sert de bureau. Entrer dans son cabinet de travail, c'est comme pénétrer le secret d'un laboratoire. Des dessins recouvrent les murs, des photos sont éparpillées sur les tables, des bouts de tissus sont punaisés ça et là et des maquettes occupent le milieu de la pièce. Des mois de recherche résumés dans 15m2.

Tous les décors construits en studio

"Le défi était de créer quelque chose d'unique, analyse la directrice artistique. J'ai donc refusé de me laisser influencer par des références à Peter Pan. films ou livres. Ma seule lecture était le roman originel de J.M. Barrie. une histoire sombre et profonde, très différente de ce qu'en ont retenu les gens."

Dans le film, le réalisateur Joe Wright donne vie à l'enfance de Peter Pan. Le jeune garçon est pensionnaire d'un orphelinat londonien où se déroulent d'étranges choses. Une nuit, il est enlevé par des pirates et jeté dans une mine où il affronte Barbe-Noire (Hugh Jackman à contre-emploi). Sa découverte d'un village peuplé de personnages fantastiques, Neverland, va le transformer.
Pour créer cet univers féerique, Aline Bonetto et Joe Wright ont fait un choix: construire tous les décors en studio et utiliser les effets spéciaux digitaux avec parcimonie. "Aujourd'hui, l'utilisation du numérique coûte aussi cher que la construction en dur. Nous ne nous sommes fixés aucune limite, la seule contrainte étant d'être raccord avec l'image de Peter Pan, le petit garçon qui ne veut pas grandir." Revue de détail par Aline Bonetto de quatre décors clé et du personnage joué par Hugh Jackman.

Les bâteaux volants

Warner Bros Entertainment

"Je me suis inspirée de galions du XVIIIe siècle. Venant du théâtre, Joe Wright voulait que ces trois bateaux, dont le plus grand fait 12m de large sur 30m de long, tanguent véritablement. Il a raison: pour y croire, il faut aussi que les voiles et les cordages bougent. Alors, grâce à un système de poulie, nous avons donné un léger mouvement proche du roulis de bateau. Ce mouvement réaliste ajoute à la fantaisie du film. C'est très important pour les acteurs. Le truc pour ne pas avoir l'air faux, c'est le sens du détail: le bon cordage, la bonne patine. Pour moi, le test ultime, c'est l'arrivée des techniciens. Si le décor est réaliste, ils vont taper dessus avec la main pour savoir si c'est du vrai."

L'orphelinat

2014 WARNER BROS. ENTERTAINMENT INC. AND RATPAC-DUNE ENTERTAINMENT LLC

"L'histoire débute dans un orphelinat pendant la Seconde Guerre mondiale. Je voulais éviter le cliché d'un lieu à la Dickens. Alors, nous nous sommes dit qu'il avait été bombardé et que les orphelins avaient été relogés dans une ancienne usine. Ce qui permet de jouer avec une ambiance plus glaçante et d'imaginer de grands espaces. L'autre logique qui nous a dirigés vers le bâtiment industriel, c'est l'action: des pirates arrivant par le ciel pour kidnapper des enfants, il était plus facile de les imaginer dans un univers de métal et de verre."

2014 WARNER BROS. ENTERTAINMENT INC. AND RATPAC-DUNE ENTERTAINMENT LLC

"Les enfants enlevés sont emmenés dans une mine, où ils sont forcés d'extraire de la poussière de fée. J'ai fait des recherches sur des mines d'or et de charbon. Il me fallait un gouffre large et très profond. Les peintures de Jérôme Bosch avec ses ambiances de fourmilières et la mine d'or de Serra Pelada, au Brésil, photographiée par Salgado m'ont beaucoup inspirée. Les mineurs y sont juchés sur des échelles de dix mètres. Une fois le décor construit, nous l'avons couvert d'une boue ocre afin de rendre le lieu monochrome: hommes et pierres ont la même couleur. Ça amplifie le côté terrifiant de cette séquence."

"Ni le réalisateur, ni moi ne voulions garder le cliché du village indien. Pour nous, Neverland symbolise toutes les cultures. On s'est inspiré des peuples primitifs. Au début, nous avions imaginé le village comme un nid géant accroché aux arbres. Je me suis référé aux peintures d'Escher. Pour les couleurs, j'ai été influencée par la fête Holi en Inde. C'est le décor le plus immense qu'on ait eu à construire. Le village est adossé à une forêt de véritables arbres. Du coup, à cause de l'arrosage, la nature a repris ses droits. Des araignées et des oiseaux et même des chauves-souris y ont fait leur nid."

Barbe-noire

Warner Bros Entertainment

"Nous avons créé un personnage inédit, très beau, élégant, drôle et bestial à la fois. Il est magnifiquement joué par Hugh Jackman. Avec lui aussi, on a mélangé les codes. Les pirates ont souvent des costumes improbables faits de récupération. Barbe-Noire est très masculin, très effrayant, mais il possède aussi des aspects féminins notamment dans ses perruques à la Marie-Antoinette qu'il porte avec beaucoup de panache, sans être ridicule."
Pan. de Joe Wright, avec Hugh Jackman, Garrett Hedlund, Levi Miller

Studio atypique aussi à l'aise en animation qu'en documentaire, la société rennaise Vivement Lundi. a reçu le Cartoon Tribute du producteur de l'année 2015 lors du Cartoon Forum qui s'est déroulé à Toulouse du 15 au 18 Septembre. Habitués des pitchs du Cartoon, les producteurs Jean-François Le Corre et Mathieu Courtois se sont fait remarquer avec des séries originales pour la jeunesse. Pok § Moc présentée avec Alphanim-Gaumont qui allie animation 2D et décors en stop motion, La Science des soucis qui mêle 2D, 3D et prises de vue réelle et la série cross média en stop motion Dimitri. Rencontre avec les producteurs.

D'où vient cette expertise à la fois en 2D, stop motion et prise de vue réelle ?

Depuis la création du studio, nous produisons des courts métrages d'animation et des documentaires. Ces univers se côtoyaient sans se mélanger. Avec Valse avec Bashir, l'animation est enfin sortie de son créneau pour enfants. Nous avons pu alors produire la collection Étranges affaires pour France 3 dans laquelle l'animation vient pallier le manque d'archives. Cette hybridation se retrouve dans le documentaire Moka-Malo qui raconte la saga de la première route du café entre la France et le Yémen.

Vous faîtes partie des rares studios à disposer en interne de telles compétences. L'hybridation est-elle votre marque de fabrique en animation ?

Au Cartoon Forum, nous avons présenté le spécial TV Le Quatuor à cornes. un projet tout en 2D cartoon adapté des albums d'Yves Cotten. Le fait de disposer d’un studio 2D. d'ateliers de fabrication de marionnettes et d’un studio de tournage équipé de plateaux numériques HD nous rend libres de nos choix et autonomes.

Comment abordez-vous le support web ?

Dimitri. notre première série web native, complète le spécial TV et la série en proposant des mini documentaires sur l'Afrique. L'univers de la série Le quatuor à cornes se découvre aussi sur le web via des petites comédies documentaires. Côté documentaire, nous avons produit en 2013, le web doc Dans les murs de la Casba h. Nous travaillons actuellement sur un projet transmédia sur la Guerre d'Espagne incluant une BD pour Futuropolis et un documentaire de 52 minutes pour France 3. Le web doc raconte la genèse de la BD (que nous ne produisons pas). Nous venons de créer cette année un poste de chargé de production pour le transmédia.

Vous êtes déjà près d’1,5 million de spectateurs à avoir découvert le 4eme opus de Mad Max en France. On vous présente aujourd’hui en images les différentes étapes du "relooking" du film.

Mad Max. Fury Road en fait des caisses. Fond vert, décors naturels, rails de caméras ou décors provisoires, nombreux sont les éléments à disparaître d’un film entre le moment du tournage et celui de sa sortie au cinéma. Et nombreux aussi sont les éléments rajoutés. décors et figurants, véhicules, explosions, le tout en images de synthèse pour recréer l’univers imaginé par le réalisateur. Le très attendu Mad Max Fury Road ne fait pas exception. Encore diffusé dans les salles, il dévoile aujourd’hui quelques-uns de ses petits secrets en images !

Mad Max Fury Road. Histoire d’une métamorphose

Certaines images valent mieux qu’un long discours. Tourné en Australie et dans le désert namibien, Mad Max Fury Road reprend tous les éléments caractéristiques de la franchise post-apo Mad Max. étendues arides, monstres mécaniques, guerriers du désert et gros flingues rafistolés. Un tel exploit ne se réalise pas seulement sur les plateaux de tournage. Le studio australien Iloura a travaillé sur 1979 prises filmées à l’aide de caméras numériques, pour intégrer chaque élément indispensable à la crédibilité de l’univers du 4e épisode de Mad Max. Un travail de fourmi, auquel ses quelques clichés rendent efficacement hommage.

Un tournage difficile et éprouvant pour les acteurs

Il a fallu attendre 17 ans pour que le 4e épisode de Mad Max voit enfin le jour. Cela n’aura pas été sans mal. entre la mort de l’acteur pressenti pour reprendre le rôle de Mel Gibson (Heath Ledger. décédé en 2008), et les trombes d’eau qui se sont abattues sur le désert australien (le transformant ainsi en une Oasis et obligeant toute l’équipe à s’exiler vers la Namibie), rien n’était gagné pour Fury Road. Une fois le tournage sur les bons rails, ce sont les acteurs qui ont dû donner de leur personne. Le réalisateur voulait limiter au maximum les effets spéciaux et demandait donc fréquemment aux stars du film des cascades réelles, dans des conditions extrêmes. "Tu te retrouves sur des câbles avec peu d’habits, accroché à un harnais, racontait l’acteur Tom Hardy au Mirror. Et dans une chaleur moite, il faut sauter, et essayer de rebondir en s’écrasant sur du métal, tous les jours durant six mois. J’ai eu l’impression d’être roué de coups. Sérieusement, c’était très dur.’ ’ Avec plus de 230 millions d’entrées à l’échelle mondiale, c’est sûr, Mad Max Fury Road n’a pas volé son succès. Le site SpiOn a partagé une vidéo du making-of.
Le making-Of de Mad Max Fury Road

STUDIO BERCY

Londres 05/05/2015 14:24 (Par Etienne Jean de la PERLE)

Le septième chapitre de la guerre des étoiles n’est pas encore sur les écrans, mais voilà que des infos sur le huitième sont dévoilées. On sait que le tournage de Star Wars 8 se fera dans un studio britannique, et verra le jour en 2017.

C’est sur Twitter que l’annonce du tournage a été faite. George Osborne, chancelier et échiquier britannique, a en effet tweeté ces quelques mots. « J'ai le plaisir de vous annoncer que #StarWarsVIII sera tourné ici, au Royaume-Uni. » Ainsi, le tournage de Star Wars 8 se déroulera aux Pinewood Studios, soit au même endroit que les précédents volets de la saga.

Le tournage de Star Wars 8 débutera en 2016, pour une sortie en 2017. Aucun autre détail n’a été révélé, ce qui est normal, vu que la production travaille encore sur le volet numéro 7, intitulé Le Réveil de la Force. En tout cas, une seule chose est sûre, pendant les années à venir, on ne cessera pas d’entendre parler de la saga.

Le tournage de Star Wars 8 aura lieu à Londres

Ce tournage est une bonne nouvelle pour les fans, mais aussi pour « l’industrie créative britannique ». En effet, on apprend, toujours d’un tweet de George Osborne. que la production de Star Wars 8 devrait rapporter 1 million de livres. Ce n’est pas tout, le tournage et toute la réalisation de Star Wars 8 créeront près de 3000 emplois.

Il faut encore attendre 2 ans pour pouvoir visionner Star Wars 8 (en anglais). Le chapitre 7, quant à lui, sera sur les écrans avant la fin de cette année. Autrement dit, il y a de quoi s’armer de patience…

Senlis hors concours, avec 93 tournages. Dont le dramatique IP5 . de Jean-Jacques Beinex. Yves Montand y succombait d’une crise cardiaque en 1991, à l’intérieur des remparts. Les châteaux fascinent aussi les cinéastes.
Celui des Condé, à Chantilly, a accueilli la plupart des 39 tournages dans la ville. Pour en citer deux. Le Jour le plus long (1962) et un James Bond, Dangereusement vôtre (1985). Les deux opus des Visiteurs (1993 et 1998) ont eu pour décor le château revisité de Viollet-le-Duc à Pierrefonds (19 tournages).
La martingale du 7e art dans l’Oise passe aussi par les palais de Compiègne (14 tournages), de Vineuil-Saint-Firmin (13), d’Ermenonville (11). Les étangs de Commelles à Coye-la-Forêt (11 tournages) et l’abbaye royale du Moncel à Pontpoint (11) ferment le ban. 211 tournages dans ces huit communes. Le site internet L2TC. base d’information sur les sites de tournage, en recense plus de 300 dans 61 communes de l’Oise.

À un jet de Paris

Les qualités pelliculaires du département sont d’autant plus recherchées qu’il se situe à un jet de Paris.
Gérard Depardieu tournant quelques scènes de <UN>Dream Team à Sandricourt au sud de Beauvais (notre édition du 23 avril), rejoint tous les soirs ses pénates dans la capitale. Comme les gros bataillons de l’équipe que finance le producteur Sébastien Fechner. La note des à-côtés – hôtellerie, restauration, transports – s’en trouve singulièrement allégée.
Cet attrait ne date pas d’hier. Cœurs du monde de l’Américain D.W. Griffith, a été le premier film tourné dans l’Oise en 1918, à Compiègne et à Senlis. L’Oise, studio à ciel ouvert. pour reprendre l’expression du Guide Oise (Casterman, 1997, épuisé), a encore de belles séquences à tourner. Comme celles de La Vache. aujourd’hui sur la D105 à la sortie d’Hénonville. Moteur. sur la route !

De nombreux livres édités sur le cinéma

L’histoire du cinéma dans l’Oise reste à écrire. Ce n’est pas la matière qui manque avec plus de 300 tournages. Ni les exemples d’autres départements. Ainsi ont été publiés L'Indre au cinéma. lieux et récits de tournage de Gérard Coulon (2006), le Dictionnaire du Cinéma dans le Gard de Bernard Bastide et Jacques Olivier Durand (1999), le Cinéma et Télévision dans la Manche de Philippe Quevastre (2000) ou bien encore 100 ans de Cinéma en Pyrénées-Orientales. de Jean-Noël Grando (2010).
On peut élargir la focale à la Picardie. La Somme a accueilli des tournages dans 15 communes, l’Aisne dans 18 et l’Oise dans 61. L’exemple vient de Bretagne et Cinéma de Jean-Pierre Berthomé et Gaël Naizet (1995), mais aussi de La Provence au cinéma de Jean-Jacques Jelot-Blanc (2011).
Quant à Jean-Jacques Jelot-Blanc, auteur de Si Fontainebleau m'était filmé. (2008), il pourrait inspirer des ouvrages semblables. De nombreux monuments historiques de l’Oise ont servi de décor au cinéma, à commencer par le château des Condé à Chantilly. Location studio de tournage

Tourner en tout droit

La commune d’Amblainville a récemment accueilli deux tournages. Le maire a-t-il dû respecter des obligations particulières. « Pas grand chose. Il a fallu obtenir des autorisations pour bloquer une route pour le tournage de Braquo », explique Joël Vasquez, le maire. Pour Dream Team. récemment tourné dans le hameau de Sandricourt à Amblainville, cela a été plus simple. « Le stade, on le leur a prêté ».
lien de l'article
lien location plateau de tournage à Paris
location plateau de tournage